地理冷知识———中国的音乐剧

更新时间：2026-01-16 18:41  浏览量：2

在《声入人心》之前，中国音乐剧几乎无人问津。2017年，郑云龙和刘令飞合作《变身怪医》，一共几十场，演完公司就倒闭了。那些年，音乐剧票被当成不起眼的赠品随意发放，愿意看的人却很少。台下比台上人多，是最常见的景象。然而，2018年《声入人心》一飞冲天，让音乐剧走入大众视野。仅仅一年后，郑云龙主演的《谋杀歌谣》上海站门票，在一分钟内全部售罄。音乐剧，爆了。但是，“爆了”可以等于“好了”吗？随着本土原创作品井喷式发展，讨论与批评也相伴而至。一面是抢不到票的火爆，一面是“退我票钱”的避雷贴。中国音乐剧，还有多远的路要走？

2018年末，湖南卫视一档名为《声入人心》的美声竞演综艺悄然走红。节目创新性地将音乐剧、歌剧与流行舞台结合，集结了郑云龙、阿云嘎等三十多位兼具颜值与实力的年轻演唱成员。凭借精良的制作，成员间动人的情谊与无数“出圈”的经典舞台，《声入人心》成为年度文化现象。

▌阿云嘎参与表演的音乐剧《在远方》选段

此后，选手们从剧场迅速成为备受瞩目的明星。他们主演的剧目票房急速攀升，过去小众的音乐剧骤然变得一票难求。无数因节目而入坑的年轻观众，开始主动走进剧场，了解并爱上了这门舞台艺术，形成了一个规模可观且活跃的新观众群体。《声入人心》成功地完成了一次高效的“破圈”，如同打开窗户，令音乐剧的风吹入国人心中。那么，究竟什么是音乐剧？

▌音乐剧《悲惨世界》40周年纪念版上海首演

与歌剧重唱腔、话剧重台词不同，音乐剧的风格更为自由多元。西方的音乐剧产业发展得非常成熟，在百老汇和伦敦西区，一部音乐剧从诞生到登台面众，背后有整条精密的产业链支撑。而在本土戏剧昌盛的中国，这种舶来品不免概念模糊。闻名世界的音乐剧《剧院魅影》，至今仍被不少国人误认为是歌剧。

改革开放后，音乐剧才重新发展起来。但是当时的人们依旧分不清它和歌剧、歌舞剧的区别，故而出现了诸如“轻歌剧”“歌舞剧”等不同名称。九十年代末，商业团体被引入音乐剧，带来崭新面貌，最现象级的莫过于1997年巨星张学友主演的音乐剧《雪狼湖》。强大的明星效应、通俗悦耳的音乐和完整的制作，为这部剧带来了空前的商业成功，也让一批年轻观众，首次意识到音乐剧的魅力。北京和上海的艺术院校开始纷纷设立音乐剧系，为我国培养真正意义上的第一代音乐剧人。

2002年，上海引进了《悲惨世界》，24场演出门票几近售罄，引发了区域性的观剧热潮。中国音乐剧自此进入了新阶段，开始系统性地引进国外经典音乐剧。如《妈妈咪呀》《猫》等等。随着西方的“巨型音乐剧”冲击市场，本土剧目也大力追求“硬件”上的提高：阵容要强，舞美要恢弘，服化道要精美。这种“偏科”式发展，导致戏剧内核的严重缺席。哪怕视听效果拉满，但松散的叙事和内容，导致最终效果更接近大型晚会。

▌音乐剧《猫》

转折点出现在2005年，本土原创音乐剧《金沙》横空出世，该剧取材于恢弘的古蜀文明，讲述了一个穿越三千年的爱情故事。来自现代的考古学家在金沙遗址发现一枚神秘的金箔，由此穿越回古蜀国，与太阳神鸟的化身“金”相遇相爱。然而“金”为拯救族群和爱情，最终选择化为永恒的金沙。故事尾声，现代博物馆中， “沙”与酷似“金”的讲解员再次相遇。

▌在陕西西安进行首演的合家欢音乐剧《唐妞驾到》

该剧将太阳神鸟等图腾元素融入舞美，汇聚了姚贝娜、谭维维、沙宝亮等一批优秀歌手，贡献出不少封神级的名曲。以今天的眼光来看，《金沙》的剧情存在些许硬伤，但它的音乐优势太突出了，无论是哪一个卡司，高音都干净、明亮、华丽，堪称一部可载入中国音乐剧发展史的作品。《金沙》之后，以摇滚音乐剧《红与黑》等为代表的新血液，用贴近当下的音乐语言，和年轻一代拉近了距离，持续培育着市场的观剧习惯与审美。

▌中国原创音乐剧《电影之歌》

市场慢慢热起来，为中国音乐剧的全面爆发积蓄了能量。直到2018年《声入人心》节目播出，市场被彻底引燃。几乎是一夜之间，音乐剧就冲进了大众的视野。

在中国音乐剧中，三宝和关山是当之无愧的中坚力量。《金沙》之后，这对搭档又创作了《蝶》，《虎门销烟》、《赵氏孤儿》、《聂小倩与宁采臣》等作品。其中《聂小倩与宁采臣》这个国民级的聊斋故事，颠覆中国传统的恩义故事，进行了大胆革新。前半段是我们都熟悉的剧情：进京赶考的书生，遇见含恨夭亡的女鬼。书生不受财色所惑，女鬼感佩之下以遗骨相托。随后，编剧笔锋一转，安排了宁采臣对小倩的表白。两人之间从恩义之爱，蜕变为男女之爱，小倩放弃了转世，宁愿入十八层地狱，也要与宁采臣做一夜夫妻。

如果音乐剧在这里结束，纵使词曲精道，也是老套故事的重演。毕竟一个女人爱上一个男人，愿意为他而死，这种“小美人鱼”式的陈词滥调，总是带着令人腻烦的不合时宜。但是编剧选择另辟蹊径，引入另一个维度的探讨——为对方做出的选择，本质上可以与其无关，而只是个人意志的选择。

在音乐剧结尾，小倩前往地狱，宁采臣唱着《夜奔》，在黑暗中寻找小倩，但焦急中却渐渐透出犹疑。最终，宁采臣没能克服对死亡的恐惧，当他用来自刎的剑铛然落地，小倩飘然离去。她没有回头看宁采臣，只以一首《贪念》回答他：“可你不会有/你自诩的那么勇敢；我也不见得/我以为的如此坦然”，所以这一场情事“不过是一刹那的贪念”。

情人相约殉情黄泉，又因毁诺分离的情节，许多国家都有。希腊神话里，俄耳甫斯因违背承诺，导致妻子被摄回冥界。日本传说中，伊邪那美痛恨丈夫的毁约，昔日的眷侣带着怨怒，隔着阴阳恩断义绝。但《聂宁》却脱离了这样血肉模糊的纠缠，没有憎恨的不洁。小倩的唱腔固然哀婉悱恻，可并不为自怜。“醒时同交欢，醉后各分散”，她是有情可往，连恩怨也可赠人。

至此音乐剧，表达的是一个颇具力量的女性内核：因为是自己的抉择，自己的行动，所以从属于她本身，“就像磷光来自磷”。它也超越了狭隘的情爱，掺入了中国文化的哲学内核。中国讲人事，不爱悲剧，如果不能合家团圆“包饺子”，那最好是“白茫茫一片真干净”。

好的艺术作品除了要带来情感上的触动，还要具备精神上的纵深，画虎画皮难画骨，真正的中国本土音乐剧，需要这样形而上的本土性。而如何将带有强烈中国古典色彩的作品，进行新时代的全新演绎，也是当前国产音乐剧面临的关键挑战，香港话剧团出品的《大状王》，无疑是做得最好的作品之一。《大状王》方唐镜的故事在大湾区文化中传承已久，在民间传说中，他身为四大状王之一，机变精怪，却以欺压百姓而闻名，人称“扭计师爷”。在上个世纪的粤语影视作品中，方唐镜曾多次作为奸角出现，如周星驰的《九品芝麻官》里，吴启华饰演的方唐镜——他精通律法却道德败坏，在公堂上颠倒黑白、助纣为虐，最终落得“被公堂众人围殴”的荒诞下场，成为港片经典反派符号。

音乐剧《大状王》的故事发生在清末，讲述广东“状师”方唐镜多次在公堂之上颠倒是非，助纣为虐，和他“一人双身”的厉鬼阿细从旁怂恿引诱，意图让方唐镜继续行恶直至万劫不复，借以索其性命。方唐镜得知真相后大惊，为求活命，更名宋世杰，成为了伸张正义的“状王”。而方唐镜与阿细的往日恩怨也在这一过程中真相大白。《大状王》引入了“一人双身”的核心设定，整个音乐剧结构严谨扎实，杂以人性、因果恩仇等元素调和，酣畅淋漓。

▌不止《大状王》，香港话剧团艺术总监毛俊辉指导的《倾城之恋》，同样用现代的眼光重新回味了白流苏与范柳原那段“不在乎一生相随，只在乎一瞬相知”的爱情

音乐的“和而不同”，是《大状王》最外显也最成功的探索。 主角方唐镜出场时，用带有百老汇色彩的爵士乐，刻画此位“荒唐镜”的玩世不恭。在人物陷入内心挣扎时，则使用隽永的粤剧唱腔。此外，剧中甚至还融入了佛经的吟诵，作为疏离、审慎的“佛眼”，俯瞰着这一场因果轮回。

《大状王》重要的主题之一是“审判”，著名音乐剧《芝加哥》中的庭审充满讽刺，大众不是被舆论愚弄，就是无用地沉默。但《大状王》中，哪怕方唐镜再如何巧舌如簧，群众始终保持着清醒的旁观，谴责他的行为。至此，《大状王》超脱了民间传说的家庭、男女、家国议题，讨论的是形而上的天理善恶、因果命运。整部剧也凝结了中式哲学思辨：公道自在人心，天道轮回，善恶有报。人生在一念之间，荣辱也如露水闪电般无常。

▌音乐剧《芝加哥》

尽管如《大状王》这般用心的作品正在涌现，但本土音乐剧的整体生态，仍处于一个青涩的摸索期。相较于早已破圈、拥有广泛受众的话剧，音乐剧的光芒仍被掩盖，整体氛围偏于小众。它的成长，亟需更多的时间与更为成熟的创作环境。正是在这样的背景下，一个核心的观众群体——“剧女”们的作用便愈发凸显。她们是市场最热情的支持者，但她们的眼光也正变得日益敏锐。

根据《2023年剧场类演出市场消费观察》报告，音乐剧的受众趋向年轻化，25岁以下观众占比最高，达到40%，大学生是剧场类演出的主要参与人群。从观众结构上看，女性观众占比最高，达79%，是典型的“她经济”。女性观众成为社群版图的主体。她们不仅是消费者，是观众，更是野生剧评家，更深度参与并塑造着整个圈子的话语体系与文化氛围。

▌为庆祝妇女节，女性音乐剧《Suffs》在联合国大会厅表演

在社交平台上，她们细致地撰写观剧“Repo”（报告），自发为演员制作演出排期表，并热心组织线下观演活动。如果有人对某部音乐剧有疑问，“剧女”们的回答，甚至比官方更及时，更准确。这种高自驱，高自觉的参与，形成了一个特殊的社群网络。社群内部运行着一套高度信任的自治文化。陌生人之间因“同好”身份，便能放心地转账购票，或因临时去不了而慷慨赠票。她们还会互相赠送精心制作的周边“物料”，形成了良性循环。面对外部市场，她们同样有着坚定的内部共识。最典型的是对“不涨价”原则的默契遵守。即便在剧场外一票难求，眼见黄牛将票稍加数百元兜售，许多剧女依然能坚守原则，拒绝购买，以此维护圈内的公平准则——做“复杂的理想主义者”，在商业化的浪潮中守护热爱。

▌韩国《kinky boots》剧组在打歌节目M Countdown上带来《Land of Lola》舞台，除此之外，剧组还推出应援棒、周边和粉丝签名会等新式应援法

在社群之外，跨城追剧，这个溢价颇高的选择，也正在成为剧女们新的“文化迁徙”。以北京、上海、广州三座城市为例，它们各自的音乐剧已然呈现出鲜明的特色：北京的剧场多以“有趣的原创剧”为亮点，上海则更侧重于“先锋的引进剧”，而广州凭借其独特的岭南文化底蕴，往往成为中西合璧剧目的试验场。

▌上图：广州大剧院上演的马修·伯恩版《罗密欧与朱丽叶》舞剧下图：在北京天桥艺术中心上演的舞剧《主角》

这种差异促使剧女群体频繁跨城观剧。一个典型的场景是：上海的剧迷为了观看一场北京天桥艺术中心的音乐剧，可能提前三个月就订好了机票和酒店。并特意选择周五晚上的航班，下班后直奔机场，周日晚再乘最晚的航班返回，整个过程紧凑得像一场"特种兵式观剧"。与此同时，她们在北京的同好，可能正为了《罗密欧与朱丽叶》准备前往上海。在剧女的微信群里，这样的对话司空见惯：“上海有拼房的吗？”、“北京站有人一起蹲SD（舞台出口）吗？”

▌纽约百老汇的广告牌

每个演出城市都是迁徙路上的湿地，由候鸟般的观众，将它们一个个串联起来。在剧迷心中，城市被赋予了某种功能性的意义：它首先是“某部剧的演出地”，然后才是其他。比如在北京天桥艺术中心附近，演出前总能看到成群结队的剧迷，她们背着印有音乐剧logo的帆布袋，手里拿着自制的应援物料，用“剧圈黑话”热烈交流着。而在上海文化广场，剧迷们甚至会特意选择不同的座位，只为了体验"能看到演员表情"和"欣赏舞台调度"这样的细节体验。

▌伦敦西区音乐剧《男声小酒馆》的周边

传统的地理边界正在消解，城市并未在这种流动性中隐退，反而通过音乐剧获得了新的呈现方式，被重新定义。值得注意的是，这种流动性也在悄然改变着传统的文旅模式。越来越多的城市体会到，一部大爆音乐剧，除了带来的票房，还有持续升温的文旅经济。以上海、北京为代表，音乐剧核心城市正在形成强大的虹吸效应，比如《SIX》等热门音乐剧，在巡演期间带动周边衍生品消费，总计超130万元，剧场周边的酒店预订量也大幅上涨。而北京的鼓楼西剧场、蜂巢剧场等小剧场周边，也涌现出大量"戏剧主题"的餐饮住宿服务。

许多剧迷会特意提前一天抵达，在观剧之余体验城市风光。她们的旅行路线往往以剧场为圆心展开，演出前到附近的咖啡馆聚会，演出后一起吃夜宵，讨论看剧的感想。这种以音乐剧为核心的新型旅行，重塑着我们感知的方式。一群人，为了同一个精神追求而来，陌生的城市空间，因为附着了特别的记忆开始独特。

或许有人会说：折腾一大圈，值得吗？诚然，音乐剧提供的，只是短暂的舞台幻梦。剧一结束，众人便难免“醒时各分散”。如果说，俄罗斯戏剧巨擘，康斯坦丁·斯坦尼斯拉夫斯基曾告诫演员，要“爱心中的艺术，不要爱艺术中的自己”。那么作为观众，倒是不妨先爱艺术中的自己。因为无用之用本身，已然是一种生命力的慷慨。凡有热爱不灭，那么于己身，于生活，则均可保有盎然兴致。